Jorge Oteiza


 

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La obra escultórica de Jorge Oteiza, singular y reconcentrada, constituye una síntesis de la visión creadora llevada hasta los límites. Seguir los pasos en este proceso, contemplar sus obras cronológicamente, permite ver la evolución psicológica del artista que, desde el original constructivismo del arte prehistórico, buscó la constante redefinición del espacio logrando un íntimo equilibrio.

Partiendo de una figuración geometrizante, se sucederá en Jorge Oteiza un sostenido diálogo interior sobre el vacío y la materia, pasando del ejercicio de la plástica a una filosofía de vida. Explora, por ejemplo el tratamiento e incidencia de la luz en las esculturas, con relieves y posteriormente con unos pequeños orificios y perforaciones, completas o incompletas, que ha denominado condensadores de luz, al tiempo que es recurrente la búsqueda de una mayor intervención del espacio en la materia a través de la apertura de poliedros Malèvich . “El giro de la hipérbola da un nuevo sentido a la relación entre lo interior y lo exterior, descubriendo el vacío por desplazamiento de la estatua, hacia el espacio exterior recién activado”, afirma Manterola, la constatación de que “en todos los órdenes, hoy la solución de una cosa está fuera de sí misma”, explica Oteiza. Todas estas investigaciones y conceptos son fijados por el artista en un nuevo lenguaje que le permitirá avanzar en sus planteamientos y vivir la escultura con la máxima radicalidad: define una serie de unidades formales abiertas que, al ser relacionadas entre sí, articulan un nuevo vocabulario y sobre estos complejos desarrolla entre los años 1956 y 1957 sus series experimentales que incluyen sus esculturas más importantes, al tiempo que edita el catálogo con el texto Propósito Experimental, 1956–57 en el que fundamenta los principios teóricos de su obra. Así, hacia el final de la década abandona el expresionismo y la figuración para iniciarse por el sendero de la abstracción y la investigación geométrica-racional de los constructivistas rusos de principios de siglo, lo que le llevó al vacío en la escultura, un recorrido metafísico que influiría de forma decisiva en todas las artes contemporáneas

A partir del Propósito Experimental, la liberación de energía se genera, en palabras del artista, “por fusión de unidades livianas, esto es dinámicas y abiertas y no por la desocupación física de una masa”. Aquí, la esfera pierde la regularidad y se convierte en unidad desocupada y el cubo en una caja abierta. El concepto de desocupación ha cambiado radicalmente. La “presencia de una ausencia formal”, en palabras del propio Oteiza, propicia el reconocimiento del Espíritu que se “desoculta”.

Reflexionando sobre el progresivo papel del vacío y el silencio que encuentra en su escultura formula la Ley de cambios, y en un rápido proceso que apenas dura dos años (1958–59) realiza sus obras conclusivas en las que plasma sus formulaciones anteriores. De ellas, las dedicadas a la desocupación del cubo son las que más fielmente representan las conclusiones de su experimentación y servirán de explanada para sus nuevos ensayos que culminan en sus radicales obras preminimalistas, como el Homenaje a Velázquez, de 1959, año en que Oteiza, al relacionar el vacío que progresivamente se encontraba en su obra con el de los cromlechs de la prehistoria vasca, llega a la conclusión de “el final de la escultura como experimentación”: la desocupación del espacio concluye aquí con el espacio desocupado de sí mismo. El vacío obtenido como construcción simbólica y de protección espiritual.

 



 

Jorge Oteiza (Orio, 1908 - San Sebastián, 2003) Escultor español, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta. Jorge Oteiza Embil nació en el seno de una familia acomodada que había prosperado en el negocio de la hostelería. Introvertido y acosado por temores irracionales, tuvo una infancia triste, alejada de los juegos y las riñas de los demás niños.

Entre 1914 y 1920 cursó el bachillerato en el Colegio del Sagrado Corazón de San Sebastián y en el de los Capuchinos de Lekaroz, Navarra. En esos años de formación su personalidad cambió radicalmente. Se volvió más extravertido y sociable: no sólo cultivó el boxeo y el teatro amateur, sino que también trabó amistad con incipientes artistas como el pintor Juan Cabanas o el músico Nicanor Zabaleta.

Estudios, penurias y primeras obras

En 1927 se trasladó a Madrid con el propósito de estudiar arquitectura, aunque, por razones burocráticas, finalmente tuvo que matricularse en medicina. Pese a que nunca terminaría la carrera (la abandonó en el tercer curso para apuntarse en la Escuela de Artes y Oficios), la asignatura de bioquímica despertó su interés por la escultura, por la experimentación de lo que él definió como «biología del espacio». Fue también en la capital de España donde se acentuó, desde posiciones sociales y de izquierdas, su conciencia identitaria vasca.

En 1928 su padre y su hermano, después de la quiebra del negocio familiar, emigraron a Argentina, teniendo él que responsabilizarse de su madre y sus cinco hermanos pequeños. Para poder costearse los estudios, trabajó de camarero, de contable en una frutería e incluso de linotipista. Aun así, pasó grandes dificultades económicas y durante una larga temporada estuvo alimentándose con la sopa para indigentes que repartían en un convento.

Sus primeras esculturas, figurativas y con un cierto aire arcaizante, nacieron bajo la influencia de artistas como Jacob Epstein, Alberto Sánchez y, sobre todo, Pablo Picasso. Ya en los años treinta, junto a sus amigos los pintores Narkis de Balenciaga y Nicolás de Lekuona, se introdujo en la vida artística de San Sebastián a través de diversas exposiciones y concursos. Así, en 1931 fue galardonado con el primer premio en el IX Concurso de Artistas Noveles Guipuzcoanos, con una escultura singularmente titulada: Adán y Eva, TgS=A/B (tangente S igual a A partido por B).

En 1935, junto con Balenciaga, viajó a Sudamérica, iniciando un periplo que lo llevaría a Argentina primero y a Chile, Colombia y Perú en los años sucesivos. En los casi quince años que estuvo en tierras americanas el joven Oteiza no dejó terreno por explorar: fue profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental, se imbuyó de movimientos de vanguardia como el cubismo y el constructivismo, estudió con devoción la estatuaria megalítica de las culturas amerindias... Y además, conoció a quien fue el gran amor de su vida, Itziar Carreño, con la que se casó en 1938.

Hacia la obra esencial y mística

A principios de la década de los cuarenta empezó a introducir oquedades en sus esculturas. Aquellas incipientes exploraciones sobre el hueco y el volumen (en la línea del gran escultor británico Henry Moore) habrían de devenir el cauce creativo por el que discurrirían sus producciones posteriores. En 1948 regresó al País Vasco, instalándose en Bilbao. El panorama que se encontró era a todas luces desolador; nada quedaba de aquel ímpetu cultural que había florecido durante la República.

Ideológicamente, Oteiza luchó por cohesionar y revitalizar el decaído mundo artístico vasco, pero se topó con la desidia de las instituciones, tanto las del régimen franquista como las del nacionalismo vasco en la clandestinidad. En lo artístico, continuó sus especulaciones en torno a la desocupación del espacio escultórico, creando piezas cada vez más esenciales y místicas.

En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), proyectada por el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Su intervención fue polémica desde el principio: la heterodoxa iconografía del friso de los Apóstoles (representó catorce) así como su estética, demasiado vanguardista para el gusto de las instituciones eclesiásticas, provocaron que la Comisión Pontificia paralizara la ejecución de las piezas por considerarlas sacrílegas. A instancias del papa Pablo VI, el proyecto se reanudó en 1968. Las puertas del templo, realizadas por un joven Eduardo Chillida en hierro y en un estilo geométrico espacialista, causaron una honda impresión en Oteiza.

Aunque durante años ambos escultores serían enemigos acérrimos (más por parte de Oteiza que de Chillida), lo cierto es que la poética desplegada en aquellas puertas, aun sin que él lo reconociera nunca, determinó en gran manera la evolución de su obra. Tanto fue así que en los años cincuenta (su período artístico más fructífero) abandonó definitivamente la figuración y se adentró por un camino de depuración formal y de diálogo entre la materia y el vacío.

El éxito y el reconocimiento internacional no se hicieron esperar y en 1957 ganó el primer premio de escultura de la Bienal de São Paulo, en Brasil, con la serie Propósito experimental. Su particular forcejeo con el volumen y el espacio llegaría a su cenit en series como Desocupación de la esfera (1957-1958) y Cajas vacías o Cajas Metafísicas (1958), en las que el objeto quedaba desmaterializado casi por completo en favor de un espacio que él entendía metafísico y espiritual.

Otras inquietudes

A partir de la década siguiente, Oteiza abandonó la práctica escultórica convencional para desarrollar nuevas inquietudes creativas como la poesía, la arquitectura o la filosofía. «Noté que de mis esculturas salían palabras», señalaría el artista vasco. Con todo, no fue la suya una actitud de mutismo o retiro; al contrario, a partir de entonces desarrolló una actividad pública frenética: no sólo escribió ensayos tan decisivos como Quosque tandem...! Ensayo de interpretación estética del alma vasca (1963), sino que impulsó el movimiento de vanguardia con la creación de grupos como Gaur, Emen, Danok y Orain.

En 1988 la Fundación La Caixa y el Museo de Bellas Artes de Bilbao organizaron una gran exposición antológica sobre su obra. Como viniendo a desmentir que aquellos años de silencio hubiesen puesto fin a sus investigaciones plásticas, se exhibió en aquella muestra una multitud de maquetas y obras de pequeño formato que el artista había elaborado en papel, cartón, aluminio y tiza.

 

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