Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2002
SECCIÓN OFICIAL
Por Jose Tirado, Violeta Kovacsics y Minerva Liste







ARO TOLBUKHIN EN LA MENTE DEL ASESINO
España-México. Director: Agustí Villaronga, Lidia Zimmermann, Isaac P. Racine. Guión: Agustí Vilalronga, Lidia Zimmermann, Isaac P. Racine. Reparto: Daniel Jiménez Cacho, Carmen Beato, Zóltán Józan, Mariona Castillo. 94 minutos.

Veinte años después de la detención y ejecución del asesino Aro Tolbukhin, su biografía sigue siendo incierta. Aún nadie ha podido determinar qué es lo que realmente hizo y qué es lo que inventó. Pero precisamente ese pulso entre la realidad y la ficción sirve como pretexto a los directores del film para recurrir a uno de los formatos que mejor resultado ha dado en los últimos años: el documental de creación. Éste sería el término más adecuado para referirse a documentales de la originalidad de El asesino de Pedralbes (de Gonzalo Herralde) o Aro Tolbukhin, dos obras que examinan la imposibilidad de asistir a un crimen a través del prisma del autor. Así es como arranca la película de Villaronga, con una serie de entrevistas realizadas al propio Tolbukhin y a partir de las cuales se reconstruirá la vida, obsesiones y traumas de este personaje.
La diversidad de formatos (imágenes de archivo, reproducción, entrevista… en color, blanco y negro, sin sonido…) que configuran este proceso involutivo otorgan al film una coherencia narrativa sorprendente. Así, pese a ser una producción complicada, el resultado es bueno, creativo y totalmente convincente en cuanto a su factura estética. Quizá las únicas discordancias que repercuten en el resultado global del film son las secuencias que recuperan la infancia del protagonista. Con todo, Aro Tolbukhin en la mente del asesino es una buena película que ha pasado sin pena ni gloria por esta Sección Oficial de San Sebastián / Jose Tirado.

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HAFID (The sea)
Islandia-Francia-Noruega. Director: Baltasar Kormákur. Guión: Baltasar Kormákur, Ólafur Haukur Símonarson. Reparto: Gunnar Eyjólfsson, Kristbjörg Kjeld, Hilmir Snaer Gudnason, Hélène de Fougerolles, Herdís Thorvaldsdóttir, Gudrún Gísladóttir. 90 minutos.

El director de 101 Reykjavik vuelve a crear un film coral marcado por la gran interpretación de los actores. En su segundo film, Baltasar Kormákur traza una cínica radiografía sobre una peculiar familia islandesa. Cuando Thordur, uno de los ancianos más respetados y poderosos de la isla, decida reunir a todos sus hijos saldrán a la luz los traumas, las mentiras y las traiciones familiares. Así, la historia es una explosiva combinación de gags de humor negro con toda una serie de conflictos esperpénticos.
El guión está escrito de forma muy audaz e inteligente, sin embargo, el desenlace no acaba de convencer. La intensidad e interés suscitado a lo largo de la película desfallece y, al pensar en films relativamente similares como Providence o Secretos y mentiras, nos damos cuenta que algo falla. Quizá se trate de un final excesivamente sentimentalista, algo a lo que el film no nos había acostumbrado / Jose Tirado.

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HAN NI ZAI YIKI (Together)
China. Director: Chen Kaige. Guión: Chen Kaige. Reparto: Liu Peiqi, Chen Hong, Wang Zhiwen, Chen Kaige. 114 minutos.

Desde que Chen Kaige se instalara en Estados Unidos su trabajo empezó a perder el interés para la crítica internacional. Pero a pesar de haber sido considerado como uno de los directores orientales más devaluados de los últimos años, con su último film ha conseguido atraer de nuevo la atención que merece.
Together refleja el viaje iniciático de un niño prodigo del violín durante su trayecto por la China actual. Xiaochun y su padre se trasladarán a la fascinante ciudad de Pekín para que el joven violinista consiga triunfar internacionalmente. Así, partiendo de esta sencilla historia (contada con tanta ternura como sentido del humor), Chen Kaige compone una magnífica película coral que reflexiona sobre los valores de la amistad, el amor, la confianza o la tenacidad.
Sin duda es una de las cintas más bellas que pasaron por el Festival Internacional de San Sebastián; una joya cinematográfica y toda una lección de puesta en escena, dirección y fotografía. Una obra que emociona por su magnífica música, por el interesante tempo del film (que combina el habitual sistema contemplativo del cine oriental con un métrico montaje al compás de la melodía), y por el acertadísimo in crescendo dramático que culmina en un insólito happy end. Un desenlace poco previsible pero que, a su vez, no podría haber sido resuelto de ninguna otra manera. Chen Kaige ha vuelto a dirigir una película inmejorable / Jose Tirado.

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HISTORIAS MÍNIMAS
Argentina-España. Director: Carlos Sorín. Guión: Pablo Solariz, Carlos Sorín. Reparto: Javier Lombardo, Antonio Benedictis, Javiera Bravo, Aníbal Maldonado. 94 minutos.

Carlos Sorín es un director de corto, pero intenso, currículum. En 1986 su film La película del rey cosechó un gran éxito de crítica y público, consiguió varios premios en diversos países y le abrió las puertas a la coproducción de su segunda cinta. Eterna sonrisa de New Jersey, con inversión británica y con Daniel Day-Lewis como cabeza de cartel, también circuló por varios países europeos, pero nunca llegó a ser estrenada comercialmente en Argentina. Ahora Sorín presenta su tercer título, Historias mínimas y éste no puede venir mejor respaldado.
La crítica quedó encandilada con esta sencilla historia que fue presentada a concurso en el pasado Festival Internacional de San Sebastián, obteniendo el Premio Especial del Jurado y una mención especial de la crítica internacional, la cual destacó "su mirada poética y precisa sobre gente que vive en la periferia de la sociedad argentina contemporánea". Pero la grandeza de esta película, aquello que le da verdadero valor, reside en la capacidad de Sorín para retratar a unos personajes que nos son ajenos y para acercarlos al espectador junto con sus pequeños problemas que, a fuerza de aproximarlos, cobran también importancia para nosotros.
Así, el espectador se ve envuelto, cautivado, por el espectacular ambiente que se crea en la Patagonia. Al cabo de 90 minutos (porque la película no necesita alargarse inútilmente como un chicle ya sin sabor) uno sale del cine satisfecho, sabiendo que todavía quedan autores que con unos buenos actores, un guión sólido y una gran dosis de talento pueden hacer que mantengamos la fe en el buen cine, sin efectos especiales ni estrellas rutilantes que intenten tapar los vacíos y las incongruencias / Minerva Liste.

 

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LOS LUNES AL SOL
http://www.loslunesalsol.com
España-Francia-Italia. Director: Fernando León de Aranoa. Guión: Fernando León de Aranoa, Ignacio del Moral. Reparto: Javier Bardem, Luis Tosar, José Ángel Egido, Nieve de Medina, Enrique Villén. 113 minutos.

Los lunes al sol fue, sin lugar a dudas, la película del festival, tanto por haber sido la ganadora como por la aclamación que suscitó tras su paso. El tercer film de Fernando León de Aranoa se mueve a un compás similar al de su anterior película, Barrio, situadas ambas entre la crítica social y una ternura sencilla y próxima poco habitual en el cine español. En este sentido, el director madrileño vuelve a demostrar su talento a la hora de crear personajes y diálogos que alcanzan la sensibilidad del espectador y su capacidad para reconstruir una historia mediante una dirección sencilla pero con tacto.
Cercana al cine de Mike Leigh (del que también se pudo ver en San Sebastián la brillante All or nothing), a Los lunes al sol le falta, quizás, un poco del humor corrosivo que define al director británico. La mirada limpia de Fernando León, el exquisito guión y su cariño a la hora de acercarse a los personajes es lo delicioso y a la vez extraño de Los lunes al sol, ya que parece que en algunos momentos olvide la crudeza del tema central: el paro (planteado mediante unas imágenes de archivo que al principio del film nos remiten a algo absolutamente real).
Así, el director acaba entregándose a una sensibilidad alejada de la realidad. Puede que escriba demasiado bien, o que su mirada peque de pura, pero lo cierto es que el cine de Fernando León está dotado de una sensibilidad que conecta con el público / Violeta Kovacsics.

 

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LUGARES COMUNES
Argentina-España. Director: Adolfo Aristaráin. Guión: Adolfo Aristaráin, Katy Saavedra. Reparto: Federico Luppi, Mercedes Sampietro, Arturo Puig, Carlos Santamaría. 112 minutos.

Rueda de prensa del equipo de Lugares comunes, la pregunta no podía ser otra: ¿Creen que la crisis es la causa de que haya tan buen cine argentino? La respuesta tampoco podía ser otra, No es la causa, pero claro que algo tendrá que ver.
Lugares comunes aglutina algunos de los mejores indicadores del buen estado del cine argentino: grandes actores, un guión fresco, crítica mordaz contra la política (sin caer en lo explícito), situaciones sencillas e historias mínimas. Las actuaciones, en este caso, eran sobre valores seguros: Federico Luppi y Mercedes Sampietro son los ejes de esta historia de amor que se mantiene con el paso de los años. En este caso, la importancia de las interpretaciones es tremenda, ya que la pareja protagonista es sin duda el cuerpo y el alma de la película. Una historia sencilla remarcada por la voz en off de Federico Luppi, que no siempre corresponde a lo que estamos viendo y que confirma que el cine de Aristaráin es el trabajo de la palabra.
El amor a la palabra como medio, como obsesión o como forma de vida. Lugares comunes se sostiene como una sensible historia de amor en plena tercera edad, pero también supone un homenaje a la cultura, a la ideología que jamás debería abandonarse. Un discurso que puede resultar rimbombante o lejano, pero que a través de las tiernas miradas de Luppi y Sampietro acaba adquiriendo la dimensión de necesario si no queremos que la palabra caiga en el olvido / Violeta Kovacsics.

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THE GOOD THIEF (El ladrón bueno)
Gran Bretaña-Francia-Irlanda. Director: Neil Jordan. Guión: Neil Jordan. Reparto: Nick Nolte, Tcheky Karyo, Said Taghmaoui, Gerard Darmon, Nutsa Kukhianidze. 110 minutos.

Neil Jordan lleva a su terreno el clásico de Jean Pierre Melville Bob le flambeur. Transforma esta historia de un ladrón retirado que decide volver a las andadas con un gran golpe en un recorrido por los bajos fondos del sur de Francia. De esta manera, Jordan compone una galería de personajes variopinta con un protagonista principal: el ladrón que Nick Nolte interpreta con intensidad y gran variedad de matices (mentiroso compulsivo, yonki, protector y obsesionado con la lógica).
Las diferentes caras de su protagonista son, a la vez, las diferentes caras de la película, ya que ésta va del thriller al retrato del drogadicto que debe desengancharse, pasando por un matizado triángulo amoroso y pulido mediante pequeños destellos de humor. El tratamiento de las imágenes que propone Jordan se mueve también a través de las diferentes pulsaciones de la trama, de manera que tanto puede jugar a congelar la imagen como a dirigir de un modo convencional.
Toda esta variedad de la que se nutre la película es, a la vez, su riqueza y su perdición: demasiados elementos y demasiados caminos por recorrer. Momentos brillantes como el cameo de un roquero Emir Kusturica o la relación entre el ladrón y el policía que lleva años pisándole los talones / Violeta Kovacsics.

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