Lo que más nos impresionó de la Sección Zabaltegui

8 FEMMES (8 Mujeres) - BLOODY SUNDAY - BOWLING FOR COLUMBINE - CIDADE DE DEUS (Ciudad de Dios) - IRREVERSIBLE - LOST IN LA MANCHA - LUNDI MATIN - MIES VAILLA MENNEISYYTTÄ (Un hombre sin pasado) - TEN MINUTES OLDER (THE TRUMPET) - LOVE LIZA

La última película de François Ozon es una divertida comedia coral con toques de cine negro y números musicales. Las ocho protagonistas del film parecen, según palabras de Wilder, "personas mentalmente sanas que de pronto dejan de hablar para ponerse a cantar". De hecho la excentricidad propia del musical gobierna casi la totalidad del film y, los mejores momentos son precisamente aquellos en que el magnífico reparto femenino organiza su particular espectáculo.
Dichas actrices (premiadas en la última edición del Festival Internacional de Berlín) parecen representar una obra teatral, magníficamente redactada, en la cuál el espectador adopta un papel determinante... ¿Verdad que todos hemos jugado alguna vez al Cluedo? Pues de eso se trata, de conspirar, mentir, sospechar y desenmascarar a cada una de las protagonistas que tenemos enfrente / Jose Tirado.

"Espero que no tengamos que cantar esta canción nunca más". Con esta frase introducía el cantante de U2, la canción Sunday Bloody Sunday, en uno de sus conciertos. Y con esta canción, esta frase y sobre negro se despide Bloody Sunday, la película de Paul Greengrass, un alegato que consigue emocionar sin necesidad de recurrir a la música hasta el final.
En 1972, la policía británica cargó contra manifestantes pro-derechos humanos en la localidad de Derry, Irlanda del Norte. Bloody Sunday es la historia de ese trágico domingo. Con la intención de acercarse al espectador, el director presenta a los personajes en su faceta más humana: el joven católico detenido ya varias veces por disturbios, el líder político que promovió la manifestación, el militar que rechaza la violencia y aquellos que la fomentaron. El espectador va conociendo poco a poco a los diferentes personajes y la historia va de la tranquilidad de una cotidiana mañana al terrible y sangriento desenlace.
La película se impregna de un tono trágico, de la certeza de que el final del camino no puede ser más que doloroso. La fría y granulada fotografía, así como el continuo movimiento de la cámara, que nos remite claramente al documental, nos transportan a una sensación de veracidad. Esta combinación de realidad y sensibilidad es la que atrapa al espectador por la garganta y los ojos, hasta herir y perturbar.
Directa y demoledora, Bloody Sunday no busca el discurso fácil: mira hacia el ejército británico, pero tampoco deja exento de responsabilidades al IRA. En este sentido, se convierte en el mejor homenaje a las víctimas del domingo sangriento, se convierte en un alegato contra la violencia, venga de donde venga / Violeta Kovacsics.

Hay dos motivos por los que merece la pena ver esta película: el primero, porque Bowling for Columbine demuestra que el documental puede interesar al gran público; el segundo, porque pone en duda uno de los grandes errores de la sociedad norteamericana como es la posesión y uso de armas.
La pregunta inicial de Michael Moore sobre si los Estados Unidos son "una nación de locos por las armas o simplemente una nación de locos", surgida a raíz de la masacre en el instituto de Columbine, se convierte en una intensa investigación del subconsciente norteamericano.
El documental, impregnado del cáustico humor y la crítica visión de Moore (creador también de Roger y yo), tiene muchos puntos fuertes. Demuestra que el director ha sabido sacar le jugo a una larga y laboriosa tarea de investigación. Demuestra también la capacidad de éste para relacionar toda la información obtenida y para crear un discurso que suscite reacciones concretas en el espectador: risa, emoción y reflexión.
Quizá Bowling for Columbine no consiga llegar a una conclusión final (quién sabe si puede haber una conclusión final para el tema), pero sí logra apuntar una serie de resoluciones interesantes y datos sorprendentes, principalmente para aquellos que no conozcan con profundidad la sociedad estadounidense.
Con todo, el film también tiene algunos puntos débiles. Se trata de una visión partidista del asunto, en tanto que lo que Moore está llevando a cabo es una reflexión personal sobre el problema. Claro que tampoco se engaña al espectador intentando que piense lo contrario. En ocasiones peca de cierto exceso de emotividad, aunque el director intente huir de ella a lo largo de toda la película. Incluso se le puede objetar que, ya hacia el final, la cinta pierda ritmo y frescura, cayendo en una cierta reiteración. Pero en conjunto Bowling for Columbine es una obra totalmente recomendable, aunque tan sólo sea para poder opinar después sobre el tema que aborda / Minerva Liste.

Bajo mi punto de vista, la brasileña Cidade de Deus es otra de las grandes joyas que pudieron verse en San Sebastián, aunque ya había sido presentada anteriormente en el festival de Cannes, donde gozó de la ovación tanto de crítica como de público.
La última película de Fernando Meirelles está basada en la novela homónima de Paolo Lins, un aclamado libro que relata la evolución del crimen organizado (entre la década de los 60's y los 80's) en un suburbio de Río de Janeiro.
El director, tal y como hacía el primer Pasolini, se lanzó a los arrabales de Río para buscar a los jóvenes protagonistas del film. Una vez habían sido seleccionados los más de cien actores no profesionales, Meirelles trabajó con ellos durante ocho meses. Sin duda este largo proceso de preparación ha dado un inmejorable resultado: una base profundamente real para un film eminentemente de género. Y es que, para narrar una realidad tan dura como la de las favelas, Cidade de Deus combina una base humana auténtica, como harían los neorrealistas, con una estructura y una narrativa propia del cine de gángsters. Precisamente la originalidad del formato es uno de los mayores atractivos del film. Por tanto, aunque el espectacular ritmo de la narración (incrementado por la música), la peculiaridad de las transiciones temporales, la fragmentación de la historia o la interconexión entre los personajes acerquen el film de Meirelles al cine de Scorsese, Cidade de Deus no deja de reflejar con total honestidad la lamentable situación vivida en los suburbios de Río.
Sin embargo un importante sector de la prensa brasileña atacó enérgicamente esta película, apuntando que reflejaba una realidad adulterada, demasiado pop y colorida. ¿Pero por qué argumentaron eso? Probablemente porque no supieron entender que el director adopta una postura neutra, que muestra la realidad tal como es, simplemente observando y no juzgando la vida de esos muchachos. Realmente Fernando Meirelles se refleja la cotidianeidad desde la mejor actitud posible, o por lo menos, de un modo muy similar con que Roberto Rossellini se enfrentaría a un problema social como éste. Sencillamente perfecta / Jose Tirado.

Muy conscientemente hemos llamado a esta sección Lo que más nos impresionó..., porque no todo fueron gratas sorpresas. En este caso, Irréversible es una apuesta que sorprende y decepciona a partes iguales y que, además, deja un mal sabor de boca al salir de la sala.
Se trata de una de esas películas que no pueden ser contadas; cada uno debe verla para poder juzgar por sí mismo. Y es que si hay algo totalmente claro en este film es que no deja, o como mínimo, no debería dejar a nadie indiferente. De hecho, la crítica internacional se dividió radicalmente tras la proyección del film en el pasado festival de Cannes, y aunque en San Sebastián la prensa no llegará a escandalizarse como en el certamen francés, tampoco quedó plenamente satisfecha.
Bajo mi punto de vista, Irréversible podría haber llegado a ser un interesante ejercicio fílmico. Entendida desde esta perspectiva, la cinta podría haber conservado algo de valor en tanto que es un arriesgado proyecto sobre el tratamiento de la violencia. Sin embargo, la buena intención queda totalmente anulada conforme avanza la película. El resultado acaba siendo facilón, reiterativo, gratuito e incluso, pedante. Y es que, probablemente, el camino no es del todo adecuado, o por lo menos, no es el más interesante a nivel cinematográfico. Sin lugar a dudas, Gaspar Noé no es ni Passollini, ni Haneke, sino más bien un Tarantino que confunde disparos con sexualidad. No nos enfrentamos, por tanto, a una violencia psicológica sino a un grado de violencia física que puede resultar excesiva.
Con todo apuesto, porque debemos apostar, por proyectos y posturas arriesgadas como ésta. No obstante, si después de varios intentos no se consigue, quizá deberían probarse otros medios / Jose Tirado.

Una no puede evitar sentir algo de tristeza al ver Lost in la Mancha, el documental sobre el frustrado rodaje de The man who killed Don Quixote, sin duda el proyecto más ambicioso, perseguido y personal de Terry Gilliam.
Se trata de un inusual making of, en el que la cámara se cuela en la cocina de la pre-producción y del rodaje y lo muestra todo sin tapujos: discusiones, catástrofes, ilusiones frustradas… En Lost in la Mancha se combina el reportaje con imágenes del film o animaciones dignas de ser creadas por el propio Gilliam.
La figura de Don Quijote aparece en el film de diversas formas. Por un lado se muestra al personaje de Cervantes como el anti-héroe que siempre persiguió Gilliam, cuya máxima aproximación fue la del Barón Munchausen, film que se mantiene en la memoria del equipo del director americano, símbolo de un fiasco económico que jamás debía volverse a repetir.
Por otro lado se establece la lógica asociación entre los imaginativos Don Quijote y Terry Gilliam: ambos soñadores empedernidos, perturbados en su genialidad, moribundos al ser obligados a poner los pies en la tierra.
Y, por último, la adaptación del clásico literario español como un proyecto maldito. Welles intentó abordar el proyecto sin éxito. Mientras el ex-monty python logró acariciar su Quijote para acabar sucumbiendo a una serie de desastres naturales como las lluvias torrenciales o la enfermedad de su actor principal, Jean Rochefort.
Así que lo que nos queda es un pozo de tristeza tras ver lo que pudo ser y no fue. Ver claudicar a Terry Gilliam y que un proyecto tan atractivo se hunda en las aguas inesperadas de la Mancha no es fácil. El único consuelo, lo único que nos queda es este Lost in la Mancha: probablemente debamos soñar e imaginar el resto / Violeta Kovacsics.

Algo huele a monótono en Europa y eso no pasa desapercibido ante una cámara de cine. Tras esa obra maestra del sosiego y la desgana laboral que fue El empleo del tiempo, de Laurent Cantet, ahora es el armenio afincado en Francia Otar Iosseliani el encargado de mostrar las estrías que poco a poco produce la rutina.
Mediante un tempo pausado, armándose de paciencia y centrando sus miras en la familia y sus silencios, Iosseliani se instala en el cine de lo cotidiano y de los pequeños detalles. Quizá uno de los mejores instantes del film sea el día a día del padre, mostrado a través de un gesto tan simple como el subirse al coche y dejar las zapatillas en el suelo del patio; zapatillas que le esperan a la vuelta. Día a día al que volverá tras un viaje a Italia, y gesto (el de sacarse los zapatos) que también recuperará. De esta manera tan simple, al final de la película se verá como vencer a la rutina y vencer a la sociedad del trabajo es algo imposible. Discurso y final similar, sin duda, al de El empleo del tiempo.
Lundi matin basa su grandeza en pequeños elementos como el coche, como el calzado, como una bicicleta o una viga, a la vez que son los vehículos para plasmar los estados de ánimo o remarcar la falta de comunicación y los silencios que impregnan la película y la vida de los diferentes habitantes del pueblo. Ésta es una película de personajes cerrados pero con instantes de humor original y sencillo, introversión familiar y de un manejo del tiempo como concepto que nos remite a la película de Cantet / Violeta Kovacsics.

Con El hombre sin pasado de Aki Kaurismäki se produce un punto y aparte. El director finlandés demuestra ser capaz de ir del melodrama al humor más disparatado, de emocionar y hacer reflexionar, de ser dinámico a través de lo hierático, de transportar los silencios a la altura de la palabra. Kaurismäki compone una obra cinematográficamente enriquecedora, que necesita y se gana sin dificultad la complicidad del espectador. De esta manera, algo tan frío e impersonal como la pérdida de memoria se convierte en una forma de proximidad entre el espectador y el protagonista: la historia se construye al mismo tiempo para ambos.
Las premisas con las que nace el cine de Kaurismäki no parecen llevaderas: un humor de lo absurdo, interpretaciones robóticas, cierto dramatismo en el planteamiento de las historias, personajes marginales y algo extraños. Pese a esto, consigue aproximarse al espectador, arrancarle sinceras y sonoras risas y sacudir su corazón. El hombre sin pasado es una película de pulsaciones, de ritmo y sobretodo de optimismo y sensibilidad / Violeta Kovacsics.

Ten minutes older es un proyecto cinematográfico imprescindible. Una apuesta en la que algunos de los cineastas recientes de mayor interés comparten espacio con las viejas glorias aún en activo. Así, Aki Kaurismäki, Chen Kaige o Jim Jarmush se sitúan al nivel de figuras como Víctor Erice, Werner Herzog, Bernardo Bertolucci, István Szabó, Volker Schlöndorff o Jean-Luc Godard.
Esta enciclopedia del cine de gran envergadura consta de dos fascículos: Ten minutes older-The trumpet y Ten minutes older-The cello, ambas proyectadas en el festival. Sin embargo, bajo mi punto de vista, la calidad del primero es muy superior a la del segundo. Tal y como el título indica, cada uno de los directores goza de diez minutos para explicar una historia en la que el Tiempo administre la Historia, esta vez con mayúsculas.
El primer fragmento, firmado por el finlandés Kaurismäki, es una pequeña historia de enamorados marcada por su cinismo, su peculiar sentido del humor y sus ya habituales personajes, tan impasibles como los del propio Buster Keaton o, incluso, los de Takeshi Kitano. ¿Cómo podría entenderse sino la situación de esos amantes que se fugan juntos hacia Siberia con la misma tranquilidad que van al mercado?
En segundo lugar está el regalo que Erice nos brinda después de esperar durante tanto tiempo. Una preciosa historia rural que recoge la cotidianeidad de una familia de campo, reflejada sin apenas diálogo, con una fotografía en blanco y negro muy cuidada, un ritmo lento y una bellísima canción que redondea el fragmento.
A continuación los diez minutos de Herzog homenajean los inicios del documental etnográfico al más puro estilo de Flaherty, tal y como ya procuró hacer en su Fata Morgana. Un interesante viaje hacia el Amazonas, hacia esas comunidades indígenas que poco saben del tiempo. Sin duda, este fragmento cuenta con dos de las más bellas imágenes de Ten minutes older-The trumpet; imágenes sobre la inocencia y la pureza de esos hombres.
Tras Herzog vienen dos de los apartados más flojos de la obra: Jarmush y Wenders. En cuanto al cortometraje del primero, parece no aspirar a más; pretende mostrar simplemente uno de los intersticios de un rodaje a tiempo real. Sin embargo, del trabajo de Wenders sí se desprende una intención más presuntuosa. El director alemán intenta reflejar las consecuencias de un viaje ácido, pero se acaba quedando tan sólo en un tópico y poco interesante experimento visual. Esperemos que algún día Wim Wenders vuelva a hacer buen cine.
Finalmente, la película se completa con dos curiosos fragmentos. En primer lugar, el documental de Spike Lee sobre el escandaloso recuento de votos, en el estado de Florida, durante las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos. Se trata de un efectivo trabajo de montaje cuyo resultado es realmente cómico. Y por último, el corto realizado por Chen Kaige. En él, el director chino vuelve a sorprendernos gratamente con su reflexión sobre el paso del tiempo en la ciudad de Pekín y sobre cómo los preparativos de los juegos olímpicos están destruyendo el paisaje urbano. Una divertida pero dramática historia cargada de surrealismo e imágenes oníricas que recuerdan a Dwaj ludzie z szafa, uno de los primeros cortometrajes de Roman Polanski o al lirismo de Jean Vigo.
Repito, sin lugar a dudas, Ten minutes older-The trumpet es una obra imprescindible / Jose Tirado.

Love Liza pasó totalmente desapercibida tanto para el público como para la crítica, sin embargo es un trabajo interesante. Se trata del primer largometraje de Todd Louiso, en el cual traza una excéntrica historia protagonizada por dos magníficos actores como son Philip Seymour Hoffman y Kathy Bates.
Uno de los grandes atractivos del film, o por lo menos, en el que más insiste su director, es el bajo presupuesto con el que ha sido rodado. Aunque no podamos llegar a hablar de cine independiente americano (¡qué pensarían Cassavetes, o incluso el primer Jarmush, si nos oyesen!), sí se aprecia una esperanza de calidad para aquellos cineastas que aspiren a hacer algo fuera de los circuitos de Hollywood... Quizá vuelvan buenos tiempos para ellos. De no ser así, como mínimo Love Liza es una interesante apuesta por conseguirlo.
Con todo, lo mejor del film es su banda sonora: una gran selección de canciones vocales que guían al espectador, y al propio personaje, a través de las carreteras americanas. Sí, quizá sea ésa la mejor forma de definir el film, como una road movie de baja producción y magnífica banda sonora / Jose Tirado.

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